Les groupes rock oubliés des années 90 — et pourquoi ils méritent mieux

La mémoire collective des années 90 tient dans une liste d’environ dix noms. Nirvana. Pearl Jam. Oasis. Radiohead. Red Hot Chili Peppers. Rage Against the Machine. Green Day. Ces groupes sont célébrés, réécoutos, réévalués, tournés et retournés dans des classements qui se reproduisent à l’infini. Ils le méritent — la plupart de ces albums sont réellement grands.

Mais la décennie ne se résume pas à eux. Pour chaque Nirvana qui explose commercialement, il y a cinq groupes qui font des albums aussi bons — parfois meilleurs sur des aspects précis — sans jamais dépasser les 50 000 exemplaires vendus, sans jamais passer à MTV, sans jamais trouver leur place dans les classements commémoratifs qui arrivent tous les dix ans. Ces groupes existent dans les conversations des musiciens, dans les bacs des disquaires d’occasion, dans les articles de blog qui circulent depuis vingt ans entre passionnés. Mais pas dans la mémoire mainstream.

Ce n’est pas une coïncidence. La mémoire du rock est construite par des institutions — labels, magazines, plateformes — qui ont des intérêts dans la canonisation de certains groupes plutôt que d’autres. Les groupes signés chez des majors avec des budgets marketing ont plus de chances de survivre dans la mémoire collective que ceux signés chez Merge Records ou Dischord ou Matador avec zéro promotion. Ce mécanisme n’est pas une conspiration — c’est simplement la logique économique de l’industrie musicale.

Cet article présente les groupes rock oubliés des années 90 qui méritent une réécoute en 2026. Certains étaient connus dans leur niche et ont disparu. D’autres ont influencé des dizaines de groupes sans jamais être crédités. D’autres encore ont sorti un album parfait que personne n’a écouté à l’époque et que plus personne ne connaît aujourd’hui. Pour le contexte des groupes qui ont eu le succès qu’eux n’ont pas eu, nos articles sur les groupes rock américains des années 90 et les groupes rock anglais des années 90 couvrent le terrain mainstream.

Pourquoi ces groupes ont-ils disparu ?

Avant de plonger dans les noms, un mot sur les mécanismes de l’oubli. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un groupe peut faire des albums remarquables et disparaître de la mémoire collective dans la même décennie.

La mauvaise synchronisation. Arriver six mois trop tôt ou six mois trop tard peut faire toute la différence. Screaming Trees sortait leur meilleur album au moment où la presse cherchait le prochain Nirvana — mais ils n’étaient pas le prochain Nirvana, ils étaient quelque chose de plus subtil. Le marché n’avait pas de case pour eux.

Le mauvais label au mauvais moment. Être signé chez une major qui ne comprend pas votre musique, ou au contraire rester chez un label indépendant sans moyens de promotion à une époque où MTV décidait des carrières — les deux trajectoires peuvent mener au même résultat : un excellent disque que personne n’entend.

Le refus du compromis. Certains groupes ont délibérément refusé de simplifier leur musique pour la radio. Guided by Voices enregistrait sur des magnétophones quatre-pistes dans une cave de Dayton, Ohio. Drive Like Jehu faisait du post-hardcore mathématique qui nécessitait plusieurs écoutes. Ces choix artistiques ont des conséquences commerciales directes.

La dissolution prématurée. Jawbreaker se dissout juste après avoir signé chez une major. Sunny Day Real Estate impllose deux fois. Failure fait un disque parfait et disparaît pendant quinze ans. La décennie est pleine de groupes dont la durée d’existence était trop courte pour construire une carrière.

Ces mécanismes n’ont rien à voir avec la qualité de la musique. C’est précisément pour ça que ces groupes méritent qu’on en parle.

L’underground américain : les groupes que Nirvana écoutait

Screaming Trees — Ellensburg, Washington, 1985

Mark Lanegan possède l’une des voix les plus graves et les plus habitées du rock américain des années 90 — quelque chose entre Johnny Cash et le désespoir humide de la côte nord-ouest. Screaming Trees existent depuis 1985, bien avant que Seattle devienne une capitale culturelle. Quand le grunge explose, ils sont déjà là depuis six ans, avec cinq albums derrière eux, à jouer dans des salles moyennes sans jamais trouver leur percée commerciale.

Sweet Oblivion (1992), produit par Don Fleming, est leur meilleur album — et celui qui aurait dû les propulser. Un rock psychédélique américain ancré dans la tradition des années 60, plus proche de Neil Young que de Nirvana, avec une maturité que leurs contemporains de Seattle n’avaient pas encore. « Nearly Lost You », le single, passe sur MTV et dans la bande originale de Singles, le film de Cameron Crowe sur la scène grunge. Ils ont tous les éléments d’une percée. Ça ne se produit pas.

La raison principale : le marché cherchait le prochain Nirvana. Screaming Trees étaient trop lents, trop psychédéliques, trop influencés par les années 60 pour correspondre à l’image du grunge que les médias construisaient. Ils tombent entre les cases — pas assez grunge pour MTV, pas assez alternatif pour la presse indie. La dissolution en 2000, après des années de problèmes de dépendance dans le groupe, met fin à une carrière qui n’a jamais reçu l’attention qu’elle méritait.

La carrière solo de Lanegan — des dizaines d’albums, des collaborations avec Queens of the Stone Age, Greg Dulli, Isobel Campbell — a donné rétrospectivement une visibilité à son travail des années 90. Mais Screaming Trees restent sous-évalués.

Album à réécouter : Sweet Oblivion (1992) — commencer par « Nearly Lost You » puis « Dollar Bill ».

Screaming_Trees

Guided by Voices — Dayton, Ohio, 1983

Robert Pollard est professeur d’école primaire à Dayton, Ohio. Il enregistre des disques dans sa cave depuis 1983 — sur des magnétophones quatre-pistes à cassette, dans des conditions qui ressemblent à n’importe quoi sauf à une session d’enregistrement professionnelle. Les chansons durent entre 60 secondes et deux minutes. Elles sont coupées au milieu de phrases, mal enregistrées, mal mixées. Et elles sont souvent meilleures que tout ce que les groupes signés chez des majors sortent en même temps.

Bee Thousand (1994) est l’album qui les fait sortir de l’anonymat complet — non pas commercialement, mais dans les conversations des musiciens et des critiques qui cherchent quelque chose d’autre que le grunge formaté. Matador Records les signe. La presse américaine les accueille comme une révélation. Mais leur son lo-fi délibéré, leurs textes ésotériques et leur productivité extrême (Pollard sort des dizaines d’albums) rendent difficile l’accès pour un public plus large.

Ce qu’ils font est pourtant simple à décrire : de la power-pop brit-influencée (ils adorent les Who, les Kinks, XTC) enregistrée avec les moyens du bord, avec des mélodies qui collent à l’oreille au troisième passage. Pollard a sorti plus de 100 albums depuis les années 80. La majorité valent qu’on s’y attarde. La totalité méritent qu’on connaisse son nom.

Album à réécouter : Bee Thousand (1994) — puis Alien Lanes (1995) si vous voulez aller plus loin.

Failure — Los Angeles, 1990

Ken Andrews, Greg Edwards et Kellii Scott forment Failure à Los Angeles en 1990. Ils signent chez Slash Records, sortent deux albums qui passent inaperçus, puis enregistrent Fantastic Planet (1996) avec Mark Rowney. C’est l’un des albums de rock alternatif les plus impressionnants de la décennie — et pratiquement personne ne le sait encore.

Fantastic Planet est un album de rock spatial et lourd qui mélange des influences de Hum, de Smashing Pumpkins et de My Bloody Valentine dans quelque chose de cohérent et d’immédiatement identifiable. Des guitares en couches massives, une basse qui joue des mélodies plutôt que de simplement couvrir les harmonies, une production de Ken Andrews qui traite le son comme une texture. « Stuck on You », « Sergeant Politeness », « Smoking Umbrella » — des morceaux qui auraient pu être des singles dans un monde où les stations radio avaient des oreilles plus ouvertes.

Le groupe se dissout peu après la sortie de l’album à cause de problèmes de dépendance. Andrews lance une carrière de producteur, travaille avec Tenacious D et d’autres. Failure se reforme en 2014, sort The Heart Is a Monster (2015) et continue de tourner — une reformation accueillie avec l’enthousiasme retenu qu’on réserve aux groupes qu’on est content de retrouver sans savoir vraiment pourquoi on n’avait pas été là la première fois.

Album à réécouter : Fantastic Planet (1996) — commencer par « Stuck on You ».

Sunny Day Real Estate — Seattle, 1992

Jeremy Enigk, Nate Mendel, William Goldsmith et Dan Hoerner forment Sunny Day Real Estate à Seattle en 1992 et signent chez Sub Pop. Leur premier album, Diary (1994), est l’acte fondateur de ce qu’on appellera l’emo — une musique post-hardcore qui ne cache pas ses émotions, avec des dynamiques quiet-loud héritées du grunge mais une intensité émotionnelle qui n’appartient qu’à eux.

Ce qui distingue SDRE de leurs contemporains, c’est la voix d’Enigk — haute, tortueuse, capable de montées qui transforment chaque refrain en quelque chose d’urgent. Et leur sens des structures : des morceaux qui construisent patiemment sur plusieurs minutes avant d’exploser, des transitions qui ne préviennent pas. Diary est suivi immédiatement par une dissolution : Enigk a une conversion religieuse radicale, Mendel et Goldsmith rejoignent les Foo Fighters, le groupe s’arrête avant même d’avoir eu le temps de s’implanter dans la conscience collective.

La reformation en 1997 pour How It Feels to Be Something On, puis la deuxième dissolution, puis la troisième reformation, témoignent d’un groupe perpétuellement tiraillé entre le désir de jouer ensemble et les contradictions humaines qui rendent ça difficile. Diary a influencé la quasi-totalité de la scène emo et post-hardcore des années 2000 — Dashboard Confessional, The Promise Ring, Thursday, Brand New. Presque aucun de ces groupes n’aurait existé sans lui.

Album à réécouter : Diary (1994) — commencer par « Seven » ou « In Circles ».

Hum — Champaign, Illinois, 1989

Matt Talbott, Tim Lash, Jeff Dimpsey et Bryan St. Pere font un rock massif et atmosphérique depuis Champaign, Illinois — une ville universitaire au milieu des terres agricoles du midwest américain qui n’est associée à aucune scène rock particulière. You’d Prefer an Astronaut (1995) est leur album de référence : des guitares en accordage alternatif qui créent des murs de son denses et mouvants, une batterie qui enfonce chaque riff dans le sol, une voix de Talbott enfouie dans le mix comme chez My Bloody Valentine.

« Stars » est sorti comme single et passe sur certaines stations radio alternatives américaines — pas assez pour déclencher une carrière mainstream, suffisamment pour que le groupe soit mentionné dans les discussions sur le rock spatial et le shoegaze américain de l’époque. Downward Is Heavenward (1998) est encore meilleur — plus cohérent, plus maîtrisé, avec une production qui tire le meilleur de leur son sans le polir jusqu’à lui retirer ses aspérités.

La reformation en 2015 après dix-sept ans de silence, suivie de Inlet (2020) — un retour accueilli avec l’enthousiasme d’une découverte par des milliers d’auditeurs qui n’avaient jamais entendu parler d’eux — dit tout sur le statut de Hum dans la mémoire du rock des années 90 : essentiels pour ceux qui les connaissent, invisibles pour le reste.

Album à réécouter : You’d Prefer an Astronaut (1995) — commencer par « Stars ».

Quicksand — New York, 1990

Walter Schreifels (ex-Gorilla Biscuits, Youth of Today), Tom Capone, Sergio Vega et Alan Cage combinent le hardcore new-yorkais avec des influences de métal alternatif et de rock post-punk dans un son qui anticipe ce que beaucoup de groupes des années 2000 appelleront post-hardcore. Slip (1993) et Manic Compression (1995) sont deux albums denses, tendu, avec des riffs de guitare qui changent de forme sur plusieurs mesures et une rythmique qui pousse en permanence vers l’avant.

Schreifels est l’un des guitaristes-auteurs les plus sous-évalués de sa génération. Sa façon d’écrire des riffs qui portent à la fois la mélodie et l’énergie physique du hardcore est une technique que peu de groupes maîtrisent. Quicksand se dissout en 1995 après Manic Compression. La reformation en 2012 et l’album Distant Populations (2021) ont rappelé que leur son n’avait pas vieilli.

Album à réécouter : Slip (1993) — commencer par « Fazer » ou « Dine Alone ».

Drive Like Jehu — San Diego, 1990

Rick Froberg, John Reis (dit Speedo), Mike Kennedy et Mark Trombino créent à San Diego un post-hardcore mathématique et angulaire qui préfigure tout ce que Shellac, Fugazi et leurs nombreux successeurs feront dans la deuxième moitié des années 90 et au-delà. Deux albums : Drive Like Jehu (1992) et Yank Crime (1994). Le groupe se dissout immédiatement après — Reis lance Rocket from the Crypt, Froberg forme Hot Snakes.

Yank Crime est l’un des albums les plus intenses de la décennie — des structures qui changent sans avertissement, des riffs qui semblent jouer contre eux-mêmes, une batterie de Trombino qui conduit tout ça sans jamais perdre le fil. Steve Albini, qui a enregistré des centaines d’albums de rock indépendant, cite Drive Like Jehu parmi les groupes les plus importants de leur époque. Leur influence circule dans les discussions de musiciens bien plus qu’elle n’apparaît dans les classements publics.

Album à réécouter : Yank Crime (1994) — commencer par « Here Come the Rome Plows ».

Archers of Loaf — Chapel Hill, Caroline du Nord, 1991

Eric Bachmann, Eric Johnson, Matt Gentling et Mark Price sont le groupe de Chapel Hill — une scène universitaire de Caroline du Nord qui produit dans les années 90 une concentration de groupes indie remarquable (Superchunk, Polvo, Squirrel Nut Zippers). Icky Mettle (1993), Vee Vee (1995) et All the Nations Airports (1996) forment une trilogie de rock indie rugueux, mélodique, avec des textes de Bachmann qui oscillent entre l’ironie et une honnêteté désarmante.

Leur son est quelque part entre Pavement et Dinosaur Jr. — suffisamment distordu pour le circuit indie, suffisamment accessible pour le rock alternatif mainstream. Mais ils ne sont jamais parvenus à franchir le pas. La dissolution en 1998, la reformation en 2011 pour une tournée et de nouvelles dates éparses depuis, témoigne d’un groupe dont la communauté de fans est restée fidèle sans jamais s’élargir au grand public.

Album à réécouter : Vee Vee (1995) — commencer par « Harnessed in Slums ».

L’underground britannique : ceux que la britpop a écrasés

La britpop de 1993-1997 a eu un effet paradoxal sur la scène rock britannique : en concentrant toute l’attention des médias sur Oasis, Blur et leurs satellites, elle a rendu presque invisible tout ce qui ne rentrait pas dans le cadre. Des groupes britanniques des années 90 ont sorti des albums remarquables dans l’indifférence quasi-totale parce qu’ils ne correspondaient pas à l’esthétique britpop et n’étaient pas non plus assez ambitieux musicalement pour être classés dans le rock alternatif sérieux à la Radiohead. Pour mieux comprendre ce contexte, notre article sur les groupes rock anglais des années 90 explique les mécanismes de ce système.

The Auteurs — Londres, 1992

Luke Haines est l’un des auteurs-compositeurs les plus acides et les plus précis de sa génération britannique. Les Auteurs, formés à Londres avec James Banbury, Alice Readman et Glenn Collins, font un rock post-punk élégant qui doit plus aux Velvet Underground et à Scott Walker qu’à la britpop qui explose autour d’eux. New Wave (1993) est nominé au Mercury Prize mais perd face à Suede. Now I’m a Cowboy (1994) et After Murder Park (1996) sont encore plus sombres, plus cinématographiques, avec des arrangements de cordes qui n’appartiennent pas au vocabulaire de la britpop de l’époque.

Haines n’est pas un personnage sympathique au sens commercial du terme — il est mordant, provocateur, impossible à promouvoir simplement. Ses textes parlent de meurtre, de décadence, de l’industrie musicale elle-même avec un détachement sarcastique qui n’a pas de case dans les pages des magazines musicaux des années 90. Sa carrière solo depuis la dissolution des Auteurs — albums sous son propre nom, projets Baader Meinhof et Black Box Recorder — continue sur la même trajectoire : des disques excellents que peu de gens écoutent.

Album à réécouter : After Murder Park (1996) — commencer par « Light Aircraft on Fire ».

Longpigs — Sheffield, 1993

Crispin Hunt, Richard Hawley, Simon Stafford et Dee Travis forment Longpigs à Sheffield en 1993. Leur premier album, The Sun Is Often Out (1996), entre dans le top 30 britannique et contient « On and On » — un single qui aurait pu être un tube dans des circonstances différentes. Leur rock est dense, émotionnel, avec un sens de la dramaturgie que Hunt apporte dans des textes sur la perte et le désir qui ne sont pas sans rappeler Nick Cave dans ses meilleurs moments britpop-compatibles.

Le deuxième album, Mobile Home (1999), sort dans un contexte post-britpop difficile. Le groupe se dissout peu après. Hawley, le guitariste, lance ensuite une carrière solo remarquable qui lui vaudra plusieurs nominations au Mercury Prize et un public fidèle. Les Longpigs restent un des groupes les plus injustement oubliés de la britpop périphérique — un groupe qui avait les mélodies, l’écriture et la présence pour percer, mais qui n’a jamais trouvé le moment ou le contexte favorable.

Album à réécouter : The Sun Is Often Out (1996) — commencer par « On and On » puis « She Said ».

Gene — Londres, 1993

Martin Rossiter, Steve Mason, Kevin Miles et Matt James forment Gene à Londres et construisent un rock post-britpop influencé par les Smiths et les Jam — deux groupes que leurs contemporains citent rarement autant. La voix de Rossiter a quelque chose de Morrissey dans son expressivité et son côté théâtral, mais sans le côté provocateur. Olympian (1995) entre dans le top 10 britannique. « Haunted by You » est l’un des singles les plus mélancoliques de la décennie.

Gene n’a jamais trouvé leur place dans la géographie médiatique de la britpop : trop proches des Smiths pour les magazines qui cherchaient la nouveauté, pas assez récupérables par les cases existantes pour être promus massivement. To See the Lights (1996) et Drawn to the Deep End (1997) confirment un groupe qui maîtrise son vocabulaire musical mais qui ne décolle jamais au-delà de son public fidèle. La dissolution en 2004 met fin à une carrière qui aurait mérité une plus longue audience.

Album à réécouter : Olympian (1995) — commencer par « Haunted by You ».

Whipping Boy — Dublin, 1989

Fearghal McKee, Paul Page, Myles McDonnell et Colm Hassett viennent de Dublin et font un rock alternatif qui doit beaucoup à Echo & the Bunnymen et aux Pixies — deux influences moins répandues dans le post-britpop irlandais de l’époque. Heartworm (1995) est nominé au Mercury Prize et gagne des critiques enthousiasmes de NME et Melody Maker. Le single « We Don’t Need Nobody Else » passe sur les radios britanniques.

Ce qui se passe ensuite est emblématique du problème que rencontrent beaucoup de groupes de cette liste : une maison de disques (Columbia) qui ne sait pas quoi faire d’eux, des changements de stratégie marketing, une deuxième tentative avec 589 (1996) qui n’est pas la direction que le label voulait, et une dissolution rapide. Heartworm reste un des albums les plus attachants de l’underground britannique des années 90 — dense, émotionnellement honnête, avec des arrangements qui n’essayent jamais d’être autre chose que ce qu’ils sont.

Album à réécouter : Heartworm (1995) — commencer par « We Don’t Need Nobody Else ».

Strangelove — Bristol, 1991

Patrick Duff, Julian Pransky-Poole, Alex Lee et John Langley construisent à Bristol un son de rock alternatif sombre et atmosphérique qui doit autant au Velvet Underground et à Joy Division qu’à leurs contemporains britpop. Strangelove (1996) et Love and Other Demons (1996) forment un catalogue compact et cohérent. Duff a une présence vocale magnétique et des textes qui explorent les obsessions et la dévotion romantique avec une intensité que la britpop légère n’approche jamais.

Leur connexion avec Bristol — la même ville que Portishead et Massive Attack — leur donne une atmosphère distinctive. Mais contrairement au trip-hop de leurs voisins, Strangelove ne trouve pas de case dans le paysage médiatique de l’époque. Trop sombres pour la britpop, pas assez expérimentaux pour la presse alternative. Ils se dissolvent en 1998 sans avoir jamais percé.

Album à réécouter : Love and Other Demons (1996) — commencer par « The Greatest Show on Earth ».

Les presque-célèbres : ceux qui ont failli

Toadies — Fort Worth, Texas, 1989

Vaden Todd Lewis, Darrel Herbert, Lisa Umbarger et Mark Reznicek sortent Rubberneck (1994) sur Interscope Records. L’album se vend à plus d’un million d’exemplaires aux États-Unis — un chiffre qui qualifie normalement un groupe pour une place dans les classements permanents des années 90. Pourtant, les Toadies sont pratiquement absents de la mémoire mainstream de la décennie.

La raison probable : Fort Worth, Texas, n’est associée à aucune scène rock qui attire l’attention des médias en 1994. Les Toadies ne sont ni de Seattle ni de Los Angeles ni de New York. Leur rock est lourd, un peu étrange, avec des textes de Lewis sur le désir et la violence qui ne ressemblent à rien de ce qui se fait autour d’eux. « Possum Kingdom » — leur single le plus connu — est une chanson qui raconte une histoire de stalking depuis la perspective de l’obsédé, sur un riff de guitare qui vrille. Elle aurait dû être aussi connue que « Basket Case ». Elle ne l’est pas.

Album à réécouter : Rubberneck (1994) — commencer par « Possum Kingdom ».

Veruca Salt — Chicago, 1993

Nina Gordon et Louise Post forment Veruca Salt à Chicago en 1993 avec Steve Lack et Jim Shapiro. American Thighs (1994) et son single « Seether » passent sur MTV et les propulsent dans une catégorie « prochain grand groupe de rock alternatif féminin » que la presse construit rapidement. Le problème avec cette catégorie, c’est qu’elle est aussi réductrice qu’inexacte — Veruca Salt ne sonne pas comme PJ Harvey ni comme Hole, et la comparaison permanente avec ces groupes leur fait du tort.

Leur rock de guitares doubles (Gordon et Post jouent toutes les deux) a une énergie propre, avec des mélodies immédiates et des harmonies vocales denses. Eight Arms to Hold You (1997) sort dans un contexte commercial difficile et ne retrouve pas le succès du premier album. La rupture entre Gordon et Post entraîne la dissolution du groupe, puis une reformation de Post en solo sous le nom Veruca Salt, puis une reformation complète en 2014. Leur catalogue des années 90 reste sous-évalué par rapport à son impact réel sur la scène alternative américaine de l’époque.

Album à réécouter : American Thighs (1994) — commencer par « Seether ».

Belly — Newport, Rhode Island, 1991

Tanya Donelly (ex-Throwing Muses et Breeders), Tom Gorman, Gail Greenwood et Chris Gorman forment Belly en 1991. Star (1993) est leur premier album — un rock alternatif lumineux, mélodique, avec la voix de Donelly qui flotte sur des arrangements plus accessibles que tout ce qu’elle avait fait avant. « Gepetto » et « Feed the Tree » passent sur MTV et à la radio. L’album entre dans le top 10 britannique et américain.

Le succès est réel mais fragile. King (1995) ne retrouve pas l’impact du premier album. La dissolution en 1996 arrive avant que le groupe ait eu le temps de consolider sa place dans la mémoire collective. Donelly continue en solo avec des albums réguliers. La reformation de Belly en 2016 et l’album Dove (2018) montrent un groupe dont le son a bien traversé le temps. Mais Star reste un album que trop peu de gens connaissent pour ce qu’il est — l’un des rocks alternatifs les plus cohérents et les plus immédiats de 1993.

Album à réécouter : Star (1993) — commencer par « Feed the Tree ».

Throwing Muses — Newport, Rhode Island, 1983

Kristin Hersh et Tanya Donelly (qui quittera le groupe pour Belly en 1991) construisent depuis le milieu des années 80 un rock alternatif angulaire et émotionnellement intense qui doit beaucoup au post-punk des années 80 et rien à aucune tendance commerciale. The Real Ramona (1992, déjà sans Donelly) et University (1995) sont deux albums que Hersh enregistre dans des périodes de crise personnelle intense — des troubles bipolaires non traités qui alimentent une écriture fragmentée, urgente, difficile à apprivoiser mais impossible à oublier une fois qu’on y est entré.

Throwing Muses ont été l’un des premiers groupes américains à signer chez 4AD — le label britannique de Dead Can Dance et This Mortal Coil — ce qui leur a donné une audience européenne mais n’a jamais vraiment décollé commercialement. Hersh continue de sortir des albums sous son propre nom avec une régularité remarquable, dont certains parmi les meilleurs de sa carrière. La contribution de Throwing Muses à l’indie rock américain des années 80 et 90 est fondatrice et constamment sous-citée.

Album à réécouter : University (1995) — commencer par « Bright Yellow Gun ».

Sebadoh — Boston, Massachusetts, 1988

Lou Barlow (ex-Dinosaur Jr.), Eric Gaffney et Jason Loewenstein construisent un lo-fi émotionnel à Boston depuis 1988. Bubble and Scrape (1993) et surtout Bakesale (1994) les propulsent dans la conversation sur le rock alternatif américain de la décennie. Barlow écrit des chansons sur la rupture, la dépression et la communication impossible avec une économie de moyens qui rend chaque morceau immédiatement personnel.

Ce qui frappe dans Sebadoh, c’est la diversité des approches sur un même album : des morceaux lo-fi bruitistes côtoient des power-pop immédiates et des ballades acoustiques sans que ça sonne jamais décousu. Harmacy (1996) est leur album le plus produit — et paradoxalement celui qui les aliène une partie de leur fanbase historique qui aimait le côté cassette quatre-pistes. La dissolution de 1999, la reformation de 2007, les albums suivants — Sebadoh continue de tourner et d’enregistrer, mais leur moment de reconnaissance critique est passé sans avoir jamais été pleinement exploité.

Album à réécouter : Bakesale (1994) — commencer par « License to Confuse ».

Silver Jews — Nashville, 1989

David Berman est le grand poète oublié du rock américain des années 90. Avec Stephen Malkmus de Pavement (son ami de longue date) et des musiciens changeants, Berman enregistre sous le nom Silver Jews des disques qui ressemblent à rien d’autre : une country-rock lo-fi, des paroles d’une précision littéraire qui font penser à Raymond Carver ou Denis Johnson mis en musique, une voix de Berman qui parle plus qu’elle ne chante.

The Natural Bridge (1996) et American Water (1998) sont ses deux albums les plus acclamés. « Random Rules » ouvre American Water avec une ligne devenue culte dans les cercles indie : « In 1984 I was hospitalized for approaching perfection ». Cette façon de raconter une histoire en démarrant au milieu, de laisser des espaces dans la narration, d’être drôle et désespéré dans la même phrase — c’est ce que Berman fait mieux que n’importe qui de sa génération.

Sa mort par suicide en 2019, deux semaines après la sortie d’un album remarquable sous le nom Purple Mountains, a attiré une attention tardive sur sa carrière entière. Les articles nécrologiques ont révélé à un public large ce que les fans de Pavement et d’indie américain savaient depuis des années : Berman était l’un des auteurs les plus importants de sa génération. Il méritait cette reconnaissance de son vivant.

Album à réécouter : American Water (1998) — commencer par « Random Rules ».

Rocket from the Crypt — San Diego, 1990

John Reis (Speedo) forge un garage rock survitaminé à San Diego qui emprunte au rockabilly, au punk hardcore et à la soul des années 60 — une combinaison qui n’a pas de précédent direct et qui ne ressemble à aucun autre groupe de la décennie. Scream, Dracula, Scream ! (1995) est leur album de référence : dix-huit morceaux courts, une énergie scénique qui transperce même sur disque, des cuivres qui transforment des structures punk en quelque chose de festif et de violent simultanément.

Leurs concerts sont légendaires dans le circuit de San Diego et de la côte ouest — Reis joue souvent avec les genoux dans la fosse, en costume, avec une conviction de performer total. Mais la formule ne passe pas à la télévision, le son n’est pas formaté pour la radio, et le groupe reste dans une popularité culte sans jamais franchir un palier supérieur. La dissolution en 2005, la reformation en 2010 avec des apparitions éparses, laissent un catalogue compact et cohérent que les amateurs de garage rock redécouvrent régulièrement.

Album à réécouter : Scream, Dracula, Scream ! (1995) — commencer par « On a Rope ».

Où commencer pour (re)découvrir ces groupes

Si cette liste donne envie d’explorer, voici quelques points d’entrée selon ce qu’on aime par ailleurs.

Si vous aimez Nirvana et Pearl Jam : commencez par Screaming Trees (Sweet Oblivion) et Failure (Fantastic Planet). Les deux groupes partagent la palette émotionnelle du grunge avec une sophistication musicale qui les distingue.

Si vous aimez Radiohead : commencez par The Auteurs (After Murder Park) et Silver Jews (American Water). Les deux ont une façon d’écrire des textes qui fonctionnent à plusieurs niveaux simultanément.

Si vous aimez Pavement : commencez par Guided by Voices (Bee Thousand) et Archers of Loaf (Vee Vee). Le lo-fi, l’ironie et les mélodies cachées sous la distorsion — tout y est.

Si vous aimez la britpop : commencez par Longpigs (The Sun Is Often Out) et Gene (Olympian). Les mélodies sont là, les textes sont là, l’esthétique est reconnaissable — mais avec des angles que les groupes majeurs du mouvement n’exploraient pas.

Si vous aimez Fugazi et le post-hardcore : commencez par Drive Like Jehu (Yank Crime) et Quicksand (Slip). Ces deux albums sont probablement les entrées les plus directes dans ce que le post-hardcore américain a produit de plus intense dans les années 90.

Et si vous ne savez pas par où commencer : mettez Diary de Sunny Day Real Estate. C’est l’un des albums les plus universellement accessibles de cette liste, et l’un des plus importants dans l’histoire du rock alternatif américain — même si personne ne le sait vraiment.

La liste complète : 25 albums à redécouvrir

• Screaming Trees — Sweet Oblivion (1992)
• Guided by Voices — Bee Thousand (1994)
• Failure — Fantastic Planet (1996)
• Sunny Day Real Estate — Diary (1994)
• Hum — You’d Prefer an Astronaut (1995)
• Quicksand — Slip (1993)
• Drive Like Jehu — Yank Crime (1994)
• Archers of Loaf — Vee Vee (1995)
• Silver Jews — American Water (1998)
• Sebadoh — Bakesale (1994)
• Throwing Muses — University (1995)
• Veruca Salt — American Thighs (1994)
• Belly — Star (1993)
• Toadies — Rubberneck (1994)
• Rocket from the Crypt — Scream, Dracula, Scream ! (1995)
• The Auteurs — After Murder Park (1996)
• Longpigs — The Sun Is Often Out (1996)
• Gene — Olympian (1995)
• Whipping Boy — Heartworm (1995)
• Strangelove — Love and Other Demons (1996)
• Jawbreaker — 24 Hour Revenge Therapy (1994)
• Guided by Voices — Alien Lanes (1995)
• Polvo — Exploded Drawing (1996)
• Superchunk — Foolish (1994)
• Built to Spill — Perfect from Now On (1997)

Pour tous les groupes qui ont eu le succès que ceux-ci n’ont pas eu, nos articles sur les 50 groupes rock des années 90 qui ont tout changé et sur les 15 meilleurs disques grunge des années 90 couvrent le terrain mainstream dans le détail. Et pour les albums qui ont réellement changé la décennie, notre sélection des 50 albums de rock les plus influents reste le point de référence.

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